filmeria applicata

THE TREE OF LIFE (Terrence Malick, 2011)

nating51 — Thu, 12 Jan 2012 23:02:56 +0000

‘The Tree Of Life’ è un film che parla di un uomo a cui è morto un fratello. Punto. Malick, che ci aveva abituato a certe pretenziosità già con ‘La Sottile Linea Rossa’, ci vuole convincere che qualsiasi cosa dica il suo film sia rilevante, che tutto converga in un sentimento panico di percezione cosmica e di grande tensione emotiva, come una specie di David Foster Wallace in salsa (melo)drammatica, come fa a volte Lars Von Trier (‘The Antichrist’), ma con un gigantismo che spesso fa venire il volta stomaco, senza nessuna obliquità o brivido. Sul serio. Un formalismo estremo, a tratti pernicioso, ci fa capire come Malick sia un grandissimo “tecnico”, nel senso che sfido chiunque a mettere in discussione le sue eccezionali scelte visive; ma, per carità, le storie lasciatele scrivere a qualcun altro. Non basta, infatti, saper sintetizzare un linguaggio – a tratti innovativo, creativo, geniale – qualora non si abbia nulla di interessante da raccontare, per lo più se si vuole riempire due ore e passa di film e con la pretesa che il pubblico si convinca che la trama sfumata debba essere per forza una lezione di stile…Certi espedienti, piuttosto, vanno bene per un cortometraggio – la celebrazione della middle-class conservatrice e bigotta degli anni ’50, come la Barilla con un rosso più fosco e il crocifisso – o, al limite, per uno screen saver – la boriosissima parentesi magmatica sponsorizzata da Adobe, zeppa di nebulose e girini . Dirò di più: può andare bene anche per uno spot di qualche Audi, special modo quando c’è uno Sean Penn marmoreo, ancora immerso nel set di ‘This Must Be The Place’, che va a zonzo attraverso labirintiche architetture ultra moderne, fra l’altro bellissime e descritte con uno strepitoso gusto per il design. Il metodo induttivo può andare bene, e in effetti l’argomento è squisitamente metafisico, ma le conclusioni sputate addosso allo spettatore sembrano dei sermoni pontificati da un ottimo pubblicitario o da un pastore protestante controcorrente, più che le riflessioni biografiche di uno che parla della società americana in cui è vissuto. Ancora una volta, viene in mente certa letteratura post-moderna troppo impegnata a spiegare una metodologia e un bello scrivere, piuttosto che la Cosa In Sè, adottando un linguaggio che per lungo tempo ho ritenuto interessante ma che, in ultima analisi, si rivela sterile e vuoto, come un cartellone che ti invoglia a comprare qualcosa assolutamente al di fuori della tua portata. O, peggio, qualcosa che non esiste. E non vengano a dire che Malick cita Kubrick, perchè il paragone, quand’anche non proprio fuori luogo, è sostanzialmente scorretto: ’2001′ sarà stato anche lui masturbatorio e insostenibile per alcuni, ma almeno ci delizia con le sue furbate, le sue provocazioni, la sua ironia. Al contrario, ‘The Tree Of Life’ si prende sul serio. Addirittura troppo. E fa venire un’orchite.

BIRD (Clint Eastwood, 1988)

nating51 — Sun, 06 Nov 2011 13:30:36 +0000

Premessa I: Charlie Parker è stato un pioniere, uno di quei musicisti che hanno segnato il suo tempo, uno di quelli che, se fosse vissuto negli anni ’80 e fosse stato metallaro, avrebbe inventato il suono dei Meshuggah dieci anni in anticipo sui tempi. Non era così istintuale come dicono, ma aveva una preparazione musicale (e tecnica) fuori dall’ordinario. E si è autodistrutto, è vero, ma era la norma per alcuni musicisti, allora come adesso, ragion per cui non c’è niente di così originale o rilevante da dire della sua vita, a parte la sua musica. Premessa II: Forest Whitaker è un attore di grandissime doti recitative, che personalmente ho apprezzato alla follia soprattutto in ‘Ghost Dog’, dove interpreta un samurai: praticamente, qui avrebbe dovuto recitare la stessa parte, almeno in teoria, solo che la sua padrona avrebbe dovuto essere la Musica. Premsessa III: Clint Eastwood, che come “biondo” e come “Callaghan” vale moltissimo, come regista è insopportabile nel modo più assoluto. A memoria non ricordo UNA sola volta in cui sia riuscito a terminare un suo film senza fremere perchè non fosse concluso. O a terminare un suo film, e basta. La critica più evidente che gli muovo ha a che fare con qualcosa, guarda caso, di molto musicale: il ritmo. I suoi film sono pomposi, prolissi, patetici, pretenziosi, pedanti e tutta una serie di aggettivi che iniziano per “p” che non è il caso di pronunciare. In una parola ‘Bird’ è un film…lento; la qual cosa non sarebbe un problema – ci sono dozzine di film “lenti”, che apprezzo a dismisura – se non fosse che Eastwood non “rappresenta” in modo lento, bensì “legge” in modo lento, il che, ovviamente, dopo un po’ lo rende un ottimo sonnifero. La vita di Charlie Parker, nella mia edizione dell’imprescindibile saggio “Jazz” di Arrigo Polillo occupa poco più di 20 pagine, il che significa che Eastwood, nelle due ore e quaranta in questione legge una pagina ogni otto minuti, per altro senza dirci nulla di nuovo rispetto a quanto già non sapessimo e in modo poco più che didascalico. Nessuna rappresentazione originale o una qualche invenzione scenografica per rendercelo interessante, nessuna personale lettura degli eventi o guizzi rappresentativi, niente di niente. Tutto confluisce inesorabilmente nell’anonimato e nella noia più assoluti. Ed è un vero peccato, perchè le potenzialità per descrivere (non leggere) in modo interessante la storia di Charlie Parker c’erano tutte, a cominciare dalla scelta azzeccata dell’attore protagonista e dell’ovvia bellezza indicibile della colonna sonora – un marasma di temi bebop che gli addetti ai lavori in campo jazzistico avranno di certo riconosciuto. Conclusione: ‘Bird’ è un film soporifero e prevedibile, a maggior ragione se vi siete già informati sulla storia che racconta, e allo stesso tempo è il miglior Clint Eastwood come regista per i gusti del sottoscritto, forse insieme soltanto a ‘Gli Spietati’, il che da la misura sull’improbabile giudizio per film come ‘Gran Torino’, ‘Million Dollar Baby’ o ‘Lettere Da Iwo Jima’. Onestamente, preferisco ricordarmelo nei film di Leone, avvolto nel poncho e sigaro tra i denti.

THIS MUST BE THE PLACE (Paolo Sorrentino, 2011)

nating51 — Sun, 06 Nov 2011 12:05:47 +0000

Di solito non amo parlare di questo genere di cose. Vertono su un concetto di cinema verso il quale il mio gusto personale pare quasi refrattario, e ne farei tranquillamente a meno, se non fosse che il regista in questione, tale Paolo Sorrentino, è lo stesso del ‘Divo’, ovvero uno dei più folgoranti capolavori del nostro cinema attuale, un film che in qualche modo aveva ridefinito il genere bio-pic con un’insostenibile dose di modernità e stile. Peccato che questo ‘This Must Be The Place’, sinceramente, è un film riuscito a metà, sotto molti punti di vista. Mette in luce le enormi potenzialità di Sorrentino come regista, in particolar modo quando si parla di situazionismo surreale – e alcune trovate sono davvero geniali -, ma fallisce miseramente nella storia che vuole raccontare: scoordinata, inconcludente e, soprattutto da metà film in avanti, frettolosa. Ci sono dei comprimari che all’inizio paiono interessanti ai fini dell’intreccio, ma che finiscono per essere declassati a mero riempitivo, come se la sceneggiatura non fosse del tutto chiara fino a riprese concluse o come se, per i tempi stretti, si sia deciso di tagliare molte cose e di lasciarle in un limbo indecifrabile, sperando che la pellicola assumesse quel quid un po’ “interessante” a posteriori: talvolta questo gioco da “esperti dilettanti” funziona, e alla grande – come spesso succede nei film dei fratelli Coen, e anche in alcuni di Jarmusch -, ma qui l’impressione è che non giri del tutto come dovrebbe. Dall’altra parte, se la storia delude di molto, non si può non controbilanciare il peso del film di Sorrentino con una definizione dei personaggi addirittura eccellente, maniacale nello sfaccettare ambiguità, sentimenti, ossessioni, morbosità e dolcezza. Anche, e soprattutto, una malinconica isteria persa nel disincanto. Tant’è che, ad un occhio più attento, il protagonista è interessante forse più per la performance di Sean Penn – imbarazzante, tanto è immensa la sua recitazione – che per il personaggio in sè – un fanciullino decadente-ma-anchè-no che indossa gli abiti di Robert Smith – e che i personaggi veramente, ma veramente ben congegnati sono quelli che ruotano attorno a lui – Jane, Mordecai Midler, Aloise Lange, la madre di Mary e così via. A maggior ragione, vien rabbia pensare che tanta cura per i dettagli – di caratterizzazione, dicevamo, ma anche di atmosfere e “tecnica” – vada sprecata sull’altare di un plot narrativo così così, forse nient’altro che un pretesto – forzato anzichenò – per affrescare molte grandissime idee, alcuni rimandi estetico-generazionali sulla cultura alternativa del tempo che fu e rispolverare la memoria per l’olocausto. Che sarà pure tale da suscitare un rispettoso sgomento, ma che forse oggi ci pare un po’ inflazionato come tema per inspessire culturalmente un film.

L’ALBA DEL PIANETA DELLE SCIMMIE (Rupert Wyatt, 2011)

nating51 — Tue, 04 Oct 2011 07:10:00 +0000

Bisogna ammettere che ci voleva e ci mancava un film che parlasse di dissenso e ribellione e che fosse comprensibile anche da un bimbominchia qualunque. Un film in cui i protagonisti – bellocci e vincenti, caratterizzati come un fustino di detersivo Dixan – ci urtassero i sentimenti fin da subito con quel loro atteggiamento ipocrita, forse anche più degli imprenditori e dei sorveglianti, che d’altra parte personificano i cattivi veri e che quindi è ovvio disprezzare. I Buoni, questa volta, sono quelli che si svegliano in gabbia e si organizzano per una Rivolta come si deve. Quelli che spaccano tutto e che vanno contro le forze dell’ordine, rivendicando la propria autodeterminazione, guidati solo dalla clinica intelligenza. Questa è la morale più rilevante, al di là della scontata questione etica su cui poggia le basi questo ‘Rise Of The Planet Of The Apes’. Un film che, come successo con ‘District 9′ (l’emarginazione e l’immigrazione) o ‘Cloverfield’ (la paura del terrorismo), affianca ad una mera rassegna di divertimento incalzante e leggero lo scomodo grillo parlante, che legge sotto voce il proprio tempo, ben più di molti altri film con velleità documentaristiche. Questa volta il rapporto, consegnato a chi lo vorrà recepire, ci dice che bisogna cominciare ad aprire le gabbie – quali? quante? -, senza farsi scoprire, non subito almeno. E nel frattempo tenendo occulte sotto il tappeto le chiavi ed eludendo i sospetti, mentre ci si allena a comunicare con un livello di rumore ridotto al minimo, con buona pace di tutte le menate sull’entropia. Cosa quanto mai paradossale, se nemmeno immaginiamo il casino che succederà quando le cavie da laboratorio strisceranno sotto e sopra i ponti. Il messaggio, sostanzialmente, sarà sempre e comunque lo stesso, racchiuso nel fonema di dissenso più inequivocabile: quel “NO” urlato a squarcia gola che da una parte rafforza la consapevolezza del proprio essere, dall’altra annichilisce e rifiuta tutti quei presupposti di pensiero positivo in cui, probabilmente, sguazzano i protagonisti di cui sopra. Al diavolo: che lo vogliate o meno, se una rivolta è pur sempre un atto di guerra in risposta ad un atteggiamento coercitivo, è difficile anzichenò che ci si sforzi di mettere in luce assertività e buon senso. Al contrario, la rivolta è anche questo caso spietata, dura, violenta. Un po’ folle, sebbene – ed è un vero peccato! – non ce lo facciano intendere. Alla fine ‘Rise’ non è un capolavoro e su molti fronti è il solito Mercatone Uno, con pregi e difetti annessi: è montato discretamente e la sceneggiatura è molto solida, con qualche etto in meno del solito, lamentuoso e pretestuoso, buonismo americano; purtroppo, però, gli attori sono anonimi ed è lungi dall’avere uno stile interessante per ergerlo dalla massa, per non parlare di alcuni pessimi dialoghi dal tiro pubblicitario: gli manca lo spessore ideologico di un ‘Fight Club’ – forse non casuale, in un’era in cui si disprezzano le ideologie – e non è spettacolare e sensazionalista come altre grosse produzioni dello stesso calibro. Ma se mi trovo alle ore 1:23 a discuterne con me stesso un motivo dovrà pur esserci. Forse solo per il fatto di narrare qualcosa di cui abbiamo quanto mai bisogno in questi tempi così indolenti – la Rivolta – e manifestarlo, a sorpresa, in una pellicola hollywoodiana.

13 ASSASSINI (Takashi Miike, 2011)

nating51 — Wed, 17 Aug 2011 14:02:31 +0000

Il punto della situazione è il seguente: al momento, l’anno in corso ci ha regalato almeno due film superlativi e una quantità spropositata di mediocrità, soprattutto sul fronte hollywoodiano. Uno è ‘Rango’ con le sue creature storte e sgradevoli, l’altro è l’ultimo film di Takashi Miike, che ci racconta una storia ben oltre alla solita Samurai-saga. O meglio: sullo stesso tiro, ma puntando agli standard di un tempo, quando i nipponici sfornavano i vari ‘Zaotichi’, ‘Lone Wolf And Cub’, per non parlare soprattutto dei grandi capolavori di Kurosawa; Ecco, si, Miike spara alto ma non troppo – dopo tutto è un anche questo un remake – e ci mette comunque del suo, sebbene la soglia dello shock si abbassi drasticamente, se è vero che, stringi stringi, non si rileva un’angolo morboso nè una turba veramente psicotropoa: al limite, qualche mutilamento mostrato senza pudore o maciullamenti da guerra, tutto sommato scontati; oltre a questo, ad emergere prepotentemente è la decisa volontà a travalicare il genere di ‘Ichi’ e ‘Audition’ per entrare nel classico, che più classico non si può e sconfinare nell’Epos, nella storia dei men-on-a-mission, dell’Hagakure, in tutta quella serie di gestualità intellettivo-comportamentali che sono proprie di un estetica ben formalizzata, in quelle storie leggendarie in cui facevamo il tifo per Toshiro Mifune e compagnia bella. Questo non vuol dire che sia pretenzioso ma nemmeno banale, tant’è che qualcuno dovrebbe farlo girare negli ambienti formativi hollywoodiani, tra quei cineasti o presunti tali che sembrano aver dimenticato come girare cinema d’intrattenimento puro e semplice, ma qualitativamente superiore. Avete presente certe banalità pseudo-storiche, in cui le credenziali più evidenti finiscono con l’essere i muscoli e le pose, le frasi fatte e l’appeal spaccatutto? Porcate colossali e fascistoidi come ’300′ (o ‘Braveheart’, o ‘Il Gladiatore’), dove, quasi sempre, nel momento di massima tensione troviamo le sinfonie pompose a sottolineare il pathos esasperato ed artificioso? Quello. Ed è quello che stacca di brutto il film di Miike da quelle cose là: avrebbe potuto ammiccare al ‘Signore Degli Anelli’, ma preferisce una storia con pochi fronzoli e un mestiere di regia consapevole e misurato, puntando tutto sull’immagine. La sua guerra è cruda, secca, concreta, vera. I suoi personaggi sono quasi tutti intelligenti, acuti, pronti, ma anche archetipi di certe qualità umane secondo una rappresentazione classica e formale del buono e del cattivo; il rigore marziale non è affettato e capisci subito che non è una cosa piacevole, tant’è che, dopo più o meno mezz’ora, ti domandi il motivo per cui non faccia poi così fico immaginare di essere un samurai. La macelleria, dicevamo. Quella cosa che ci tiene incollati fino alla fine, anche se sappiamo già che tutto culminerà in un massacro: ad un certo punto ci troviamo di fronte ad uno scenario senza alcuna reticenza, pieno di fumo, ferro, legno e carne rotta, caos, in cui hai l’impressione che alcuni dei comprimari possano essere posseduti da un berserk infuriato. Ma che sono solo uomini alla battaglia, il che è ancor peggio. Le teste rotolano e il guerriero sprizza sangue, nell’acqua corriva e, nel mentre, un bel po’ di morte è all’opera, in un modo troppo poco spettacolare per non mostrare, in ultima analisi, il solito Miike di sempre, cinico e spietato.

BLADE RUNNER (Ridley Scott, 1982)

nating51 — Tue, 05 Jul 2011 07:21:59 +0000

Spesso la gente cerca di banalizzare il valore gnoseologico di ‘Blade Runner’. Potremmo discutere delle scelte che ne hanno consentito la materializzazione, ma non azzarderemo nulla di strano, visto che la prassi è sempre la stessa che puoi leggere ovunque: attori discreti, prodotto invecchiato neanche tanto male, estetica proto-cyberpunk in anticipo sui tempi, flirt pesante e corroborante con il genere hard boiled. Ma non è questo che conta, quasi trent’anni dopo, non per me, almeno. Arnold Schoenberg – musicista tardo romantico e grande teorico musicale -, nell’ultimo capitolo del suo ‘Harmonielehre’, colto da una di quelle soventi epifanie di cui solo lui è capace, sottolinea la necessità di valutare la distanza con cui ci approcciamo al prodotto d’arte e di come tarando tale distanza si generino criteri di valutazione e giudizio sempre diversi, rilevando l’evidente uniformarsi dei prodotti d’arte tanto più questi si fanno lontani rispetto al tempo in cui viviamo. Comunque sia, ‘Blade Runner’ – che in questo senso appartiene ad una stagione *molto* lontana, troppo vicina per essere in vena di revival, troppo lontana per smuovere i più giovani – fatica ad uniformarsi con molti suoi consimili e non già per aspetti squisitamente formali – non è niente di speciale ed è molto scontato, anche se c’è ancora chi si ostina a credere il contrario -, quanto per il suo denso, eterno e perciò terrificante significato (anti)religioso. In altre parole, non è errato pensare a ‘Blade Runner’ come la nemesi meno esplicita dello stra-sopravvalutato e stra-noioso ‘Incontri Ravvicinati del Terzo Tipo’, metafora cristiana in salsa sci-fi, se mai ce n’è stata una . La parabola parte dal replicante Roy Batty – un character immenso, almeno nel film – e si amplifica e finisce con il confronto dell’uomo – replicante? – con il suo creatore, tirandolo giù dal pretenzioso scranno di padre benevolo-onnipotente e mostrandocelo – in carne ed ossa! – come un cinico e freddo burattinaio di nome Tyrell, oltretutto incapace di fornire risposte adeguate. Un archetipo, Roy Batty, che ribadisce l’ineluttabilità della Morte, una Semplice Questione troppo umana per essere messa in bocca a Rick Deckard/Philip Marlowe – banale esecutore e protagonista un po’ insipido, sebbene si perseveri nel cercare argomentazioni sottintese per scovarne la sua natura replicante: la necessità è quella di racimolare una risposta da uno stronzo che ti creato così, imperfetto e caduco, senza dirti il perchè. Niente di nuovo, nè prima, nè dopo Ridley Scott, per non parlare di Philip K. Dick. A voler ben dire, per qualche strano raccordo concettuale è come trovarsi sospesi su un ponte ideale tra ‘Moby Dick’ e ‘Matrix’: l’unica differenza con il primo è che in ‘Blade Runner’ il dissidio è guarda caso umano, reale, concreto; la più grande dissertazione comune con il secondo, invece, appartiene ovviamente all’enorme sfera del cartesiano Cogito Ergo Sum. Comunque sia, Dick avrebbe avuto molto da dire su questo film, e non solo per il fatto di prendere considerevoli distanze dal suo romanzo. Probabilmente anche Schoenberg, e probabilmente non per i landscape di Vangelis.

HALLOWEEN: THE BEGINNING (Rob Zombie, 2007)

nating51 — Thu, 16 Jun 2011 22:36:37 +0000

Per lungo tempo si può pensare che il cinema di Rob Zombie sia pacchiano, sbagliando clamorosamente. Scontato anche, visto che di cinema da birre stiamo parlando: e non a caso ‘Halloween’ ce lo hanno massacrato per bene, non sempre a ragione. Sarà, ma il Myers di Zombie ti fa ricordare come a volte basti molto poco per renderti felice. Perchè Rob Zombie non ha la pretesa fuorviante di sembrare serio. Non ha nemmeno alcuna velleità da Cannes o Venezia. No, nemmeno da Sundance, sebbene potrebbe, per certi versi, spazzare via molti film in rassegna molto meno efficaci. Perchè Rob Zombie è un metallaro a cui riescono bene gli horror old-school. Punto. Il suo film estrapola una forma visiva per tutta una serie di pulsioni che hanno a che fare con le fumettosità immaginifiche degli anni ottanta, per quanto queste, in vena di revival, vengano proiettate oltre il nuovo millennio: carneficina, urla di terrore, dolore, cattiveria e un ipotetico muro di chitarre spesso un chilometro, anche senza la maglietta dei Kiss del Myers-infante. Parliamo pure di remake creativo e cominciamo a renderci conto come sia difficile sintetizzare un prodotto d’intrattenimento di questo tipo senza finire col sembrare lapalissiano. Come non sia affatto scontato rivisitare lo slasher storico reggendo il confronto con Carpenter e come sia agile Zombie nel nascondere sotto il tappeto le plausibili falle che ovviamente emergono dalla parte di chi non ha ancora (cominciato?) finito di crescere. Non tanto dietro la macchina da presa – eccellente, Zombie, quando ci mette della sua atmosfera e le sue angolature – quanto da un punto di vista strettamente narrativo, visto che, stringi stringi, la storia del suo Halloween non sconvolge e non rivela niente che i cultisti non sapessero già: in questo senso, non serve a molto nemmeno un preludio lungo quaranta minuti per accollarsi anche il valore di prequel, per quanto di pregevole fattura esso possa sembrare. Anzi, finisce con il demistificare il Myers a là Carpenter, ributtandolo nella Real Thing come quello che in fondo è sempre stato: un disturbato mentale. Un film privo di una narrazione avvincente e senza Verità da elargire, senza introiezioni psicologiche – in questa sede, l’opera di Loomis è pura tattica, fidatevi! – e a modo suo brutale, essenziale, privo di fronzoli, orientato alla degustazione e all’intrattenimento più ignorante, oltre qualsiasi velleità di impegno intellettuale. D’altra parte, stiamo pur sempre parlando di un film metal che, in un modo o nell’altro, sa tanto di ‘Reign In Blood’. O ‘Slaughter Of The Soul’, fate un po’ voi. Ecco perchè, probabilmente, potrebbe essere deludente tanto per i radical chic quanto per gli snob.

CORALINE E LA PORTA MAGICA (Henry Selick, 2009)

nating51 — Thu, 16 Jun 2011 22:33:10 +0000

Amo Gaiman. Non tanto per l’inevitabile ‘Sandman’, quanto per i suoi romanzi, che in qualche modo me lo fanno collocare in quella ristrettissima schiera del genere fantastico che non stufa e non plagia Tolkien o Stephen King o Diana Wynne Jones. Mi sono meno note, invece, le sue opere per l’infanzia, da cui viene estrapolato questo ‘Coraline’, una specie di ‘Nightmare Before Christmas Parte Seconda’ con dieci anni di ritardo e trasmutato in una ‘Alice In Wonderland’ per bambini in salsa gotica. Dalle premesse avrebbe potuto uscirne un film terribilmente mediocre, tant’è vero che qualcuno ha continuato ad incensare i vari Harry Potter (quelli si, mediocri), snobbandolo criminosamente. E invece Selick non si limita a ribadirle, le premesse, ma preme fino in fondo il pedale, firmando quello che, al di là di alcuni passi falsi, avrebbe potuto spacciare come il suo quasi-capolavoro in stop-motion…Dico quasi perchè poi tanto originale non è, essendo fondamentalmente la solita vecchia storia per bambini inquieta e piena di clichè; perchè, diciamolo, nonostante le prove generali per smantellare le ovvietà di Jack&Co. e la buona volontà nel descrivere l’Altro Livello di Percezione – la favola, il mondo dall’altra parte, i simulacri senz’anima – con un effetto sotto-pelle che inganna e ti frega, ‘Coraline’ si smarca a fatica dalla pretesa di favola per la buona notte; come se non bastasse, rileviamo ancora una volta le insopportabili manie narcisistico-visuali estrapolate e rimaneggiate da incubi infantili di matrice Burton-iana, ormai buone per i ragnetti dell’emo, non certo per i nostalgici a caccia di citazioni dell’era Hammer. Ciò nonostante, una volta digerito con adulta consapevolezza (e sublimato l’amaro), il lavoro di Selick potrebbe anche instillare qualche buona dose di estraniamento, anche di qualche giorno; mica male per una opera d’intrattenimento “easy”, di quelle che rifuggono la patetica lacrimuccia-commozione simil-Pixar. Ulteriori talloni sono disseminati tra il ritmo – a volte non proprio incalzante, come si reclamerebbe da un prodotto simile – e, ahimè, l’aspetto visuale, che, al contrario, dovrebbe costituirne il più pregnante punto di forza. Diciamolo: ‘Coraline’ è realizzato tanto bene sotto il profilo tecnico quanto grossolanamente a livello di caratterizzazione. Inutile girarci intorno: non è poi così immorale tacciare ‘Coraline’ di essere sostanzialmente un cut-up di prove riuscite male di ‘Nightmare’. E la qual cosa, scusate, è condizione sufficiente per bacchettare il buon Selick, che a questo punto dovrà fornirci ulteriori indizi sulle sue finalità estetiche. Dosando bene il manganello, visto che ‘Coraline’ non è poi così male. Ma tu, Neil, perchè non gli hai detto nulla?

THE SOCIAL NETWORK (David Fincher, 2010)

nating51 — Sun, 23 Jan 2011 18:39:36 +0000

Considerazione numero uno: non bastano dialoghi serrati e montaggio da capogiro – ma veramente, veramente eccellente – per fare dell’ultimo film di Fincher il capolavoro che qualcuno vuole farci credere sia. Personalmente ho amato alla follia ‘Fight Club’ e ‘Alien 3′, ma non mi capacito che un talentuoso regista del genere si abbassi a cose tipo ‘Lo Strano Caso Di Benjamin Button’. O ‘The Social Network’. Questo non preclude il fatto che Fincher sia un mago: riesce a colmare una recitazione di una pochezza disarmante – a partire dai comprimari, giù giù fino allo sguattero… e proprio non si capisce quale performance trascendente sia quella di Jesse Eisenberg – con un agilità che ha del mostruoso. Considerazione numero due: ‘The Social Network’, fosse stato girato da Oliver Stone – inutile che facciate finta di nulla: il genere è quello – sarebbe stato di una noia mortale; sembra una lancia scoccata a suo favore ma non lo è, per lo meno non completamente: praticamente, è come dire che il film di Fincher sia il pretesto per reimpastare un genere che ha avuto la sua fortuna ma che, con il senno di poi, ha raramente mantenuto l’hype iniziale, invecchiando nell’arco di un decennio (presente ‘JFK’?); è molto curioso interrogarsi su cosa penseranno di un film del genere i figli dei nostri figli. Considerazione numero tre: il film di Fincher non proclama buoni e cattivi e questo è sicuramente un suo pregevole punto di forza, tanto rilevante da azzardarne addirittura una promozione, quand’anche non a pieni voti; ma circostanza vuole che esca in un epoca dove protagonismo e presenzialismo – e non venite a dire che questo *non* è un film che parla di Facebook: è errato, oltre che ipocrita – hanno la meglio sul bene e anche sul male: il dramma è che Mark Zuckerberg sarà pure un bastardo di prima categoria ma è al contempo il più giovane miliardario del mondo e, ahinoi, per qualcuno questo è sufficiente a relegarlo dalla parte dei “giusti”, solo per essere stato capace nel diventarlo. Considerazione numero quattro, e ultima, nonchè inutile: se appartenete a coloro i quali non avessero subito il fascino-irresistibile-di-avere-la-propria-pagina-Facebook guarderete questo film con gli occhi di chi sa benissimo che, nel migliore dei casi, verrà tacciato di snobbismo dai milioni sparsi in tutto il mondo. Nel peggiore, vi diranno che non potete capire; dal canto mio, reputo Facebook immondizia digitale. Tutto questo per dire che ‘The Social Network’ non è il più bel film dell’anno appena trascorso e men che meno il più originale: non mostra niente di nuovo e non incanta. Molto semplicemente, rappresenta il solito pacchetto, quello fedeltà, quello che può offrirci una Hollywood in tempi di vacche magre, emergendo come il miglior film del periodo. Non a caso, ne viene fuori un film che emana le stesse esalazioni di una pagina Facebook qualunque: fredda, arida, vacua…non è che magari era quella l’intenzione del regista? O forse no. Ma si.

CAPITALISM: A LOVE STORY (Michael Moore, 2009)

nating51 — Wed, 19 Jan 2011 16:49:27 +0000

Si parte dalla cosa più lampante e rigorosamente oggettiva: ‘Capitalism’ è un buon lungometraggio, comunque più interessante di Boldi e sicuramente con l’enorme merito di rendere accessibile più o meno a tutti questioni che altrimenti rischierebbero di rimanere seriamente scollegate dal Volgo. Altre cose certe: 1) Moore è un Democratico. 2) Moore *non* è anticlericale. Stimolando la curiosità, e smuovendo le opinioni praticamente di chiunque lo abbia visto, il cineasta americano riesce nel tentativo di fornire il Quadro Generale – quand’anche pericolosamente generalizzato in certi frangenti – lasciandosi andare raramente a fuorvianti e banali pulsioni complottiste, attenendosi il più possibile alla realtà fattuale; quando non ci riesce – soprattutto nel punto in cui prende in esame l’ala democratica del Congresso, intervistandone diversi membri -, finisce con il sottolineare una qualche faziosità di questo tipo, spianando la strada ai suoi Plurimi Detrattori Repubblicani, che in questo modo avranno ulteriori argomentazioni per snobbare la sua – incredibile! – opera. Sotto questo punto di vista, il nostrano ‘Draquila’ – nonostante non surclassi il valore di ‘Capitalism’ in termini di contenuti ed aspirazioni -, con il suo atteggiamento di diffida (a ragione!) nei confronti di entrambi gli schieramenti politici del Bel Paese, finisce con il mostrare i Denti del Dissidente molto più di Moore. Confronto azzardato, certo, e per una serie di motivi più disparati: 1) i Democratici, negli U.S.A. non sono necessariamente equalizzati ai Comunisti, come qualcuno insiste a farci credere qui in Italia; 2) in America sono meno folkloristici di noi: non sono governati da fanfaroni politicamente incapaci come Chi-Sai-Tu…Al limite da Criminali, come il caro George.W.. Volendo entrare nel merito della questione, beh, sorprende che il sottoscritto – un laicista, solitamente con forti pulsioni anti-clericali – sia del tutto in sintonia con quanto affermato dalle autorità religiose intervistate e cioè che non solo il Capitalismo rimane sicuramente l’origine di molti dei Mali che affliggono il pianeta odierno, ma anche qualcosa che cela quei germi già nella sua enunciazione teorica. Perchè, se il Comunismo fu un’ideologia sostanzialmente positiva applicata, ahimè, in modo draconico e depersonalizzante per l’individuo, il Capitalismo celava sin da principio l’idea che ci dovesse essere necessariamente una subordinazione economica, un gap tra dipendente e amministratore, il macchiavellico meccanismo di dominio e sottomissione, la stessa logica di cui oggi noi tutti stiamo facendo spese; e comunque il Capitalismo come lo si conosceva fallisce più tardi non perchè sia stato più efficente e men che meno perchè abbia in qualche modo garantito maggior benessere – altrimenti non si spiegano il disagio generale che aleggia oggi giorno, gli omicidi in famiglia, i suicidi sempre più frequenti, etc. – , ma solo ed unicamente per l’aver saputo autoalimentarsi più a lungo: la propaganda comunista non è riuscita ad evolversi in modo così subliminale e perfetto: la propaganda occidentale si è fatta bussola per la massa dei lavoratori, un ago magnetico ficcato su un supporto mediatico di massa. Si è semplificata, ha smussato gli spigoli, lobotomizzato il messaggio con tecniche ipnotiche – consuma…lavora…consuma…lavora…consuma…lavora… – e ha svecchiato quel nome altisonante con uno ben più ammiccante: Marketing. Ma Michael Moore, non vi dirà nulla di tutto questo, anche se molti, in queste due ore scarse, sicuramente ci penseranno; egli non la prende dal punto di vista storico-ideologico, ma piuttosto, pavoneggiando una concretezza tutta americana, si interessa di puntare il dito verso banche e compagnie di assicurazioni, di elencare nomi e cognomi di alcuni dei più diretti responsabili (oggetto: Catastrofe 2008), di mostrare che un Altro Mondo Economico è possibile e si chiama Isthmus Engineering & Manifacturing Co-op, di aleggiare e condividere una certa speranza – c’era da aspettarselo – quando tocca il fenomeno Obama. E di chiudere, dicevamo, ficcandosi a braccia aperte nell’alcova dei Democratici. Per il resto, prendete nota, amici, e mettetevela via: Moore, come ormai molti altri, hanno ragione nel mostrare le falle di un sistema che ci aveva promesso che un giorno saremmo stati meglio di prima solamente perchè avremmo avuto di più e che invece ci sta rendendo soli, infelici e vuoti, sommersi in un mondo di canali televisivi sempre più personalizzabili, marchi bicromi dappertutto, strumenti per la comunicazione sempre più sofisticati e tanta, ma proprio tanta plastica inodore.